Lo Último

Arthur Miller. Sobre el amor.


"¿Puede alguien recordar el amor? Es como querer conjurar el aroma de las rosas en un sótano. Podrías ver la rosa, pero el perfume, jamás. Y esa es la verdad de las cosas, su perfume."

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Eduardo Galeano. Sobre pelear contra el miedo.


"Creo que hay que pelear contra el miedo, que se debe asumir que la vida es peligrosa y que eso es lo bueno que la vida tiene para que no se convierta en un mortal aburrimiento."


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Todos los caminos hablan de Roma.

Por Héctor Makishi Matsuda.
Y es que tanto el amor, el dolor y la muerte siempre nos igualan como seres humanos..


Todos los caminos hablan de Roma, la última película de Alfonso Cuarón. Muchos la consideran una obra maestra, otros la consideran sobrevalorada. Pero lo cierto es que tenemos al alcance de todos, una película bien cuidada y hecha con el esmero de un amante.
Lo que impresiona en primer lugar, desde el punto de vista formal, es su fotografía. Un mérito del mismo Cuarón con Galo Olivares. Podemos tomar cualquier fotograma de los 135 minutos de la película, y tenemos una foto para enmarcar. La elección de Cuarón por el formato blanco y negro, en mi opinión, no es porque la película sea ambientada en los años 70, sino porque hay una intención de nivelar la condición humana fundamental, sin distinción de clases sociales.
Y es que tanto el amor, el dolor y la muerte siempre nos igualan como seres humanos. En esas experiencias, la pertenencia a una clase social es relativa y de poca valía. Roma es una prueba de ello.
La película nos cuenta sobre la vida de una familia de clase media (numerosa como otrora) y sus dos empleadas domésticas que cumplen también el rol de nanas de los chicos.  La historia es casi intemporal salvo algunas pinceladas del contexto sociopolítico de la época que no hace relevante a la historia, salvo para advertirnos como dice Baudrillard en su Transparencia del mal que «Lo máximo que se presiente (en esas imágenes) es que detrás de cada una de ellas ha desaparecido algo. Y  sólo son  eso: la  huella  de  algo  que  ha  desaparecido». Valores desaparecidos que nos sirven para ubicarnos dónde estamos parados. Si hay que volver o hay que resignificar nuestra historia.
Resignificar puede ser un verbo clave para poder entender toda la película. Constantemente, vemos que los personajes colocando nuevos sentidos a las cosas: El juego de estar muerto, la vida nueva sin el padre, el avión, etc. Por un lado, nos hace pensar que tal vez, la vida se componga de pequeños instantes que luego uno busca ponerle el sentido. O a lo mejor, ya que mencionamos el avión, el sentido esté en el cielo como ese avión que surca sin rumbo aparente para nuestras vistas, pero que evidentemente tiene un destino final.
Por otro lado, Roma es un viaje interior que nos muestra que las cosas, las vivencias y los hechos mismos tienen un peso específico a partir de nuestras intenciones. El objetivo de mi acto hace único y exclusivo ese momento. De ahí que en un mismo momento, pueden convivir distintas intenciones que hacen diferente dicho momento. Y no me refiero a El secreto de Rhonda Byrne y su ley de Atracción. Esto es un planteamiento ético de la vida. Muchas veces, la impunidad externa de nuestros actos no es solución para la paz interna que la vida nos exige sino que la procesión va por dentro como dice el Candombe.
Y aquí es donde el dolor empieza a mostrarse como una experiencia de unión y solidaridad. Tanto el ama de casa como su empleada doméstica van elaborando su duelo internamente, con la mejor dignidad posible. Y solo es en el momento de peligro de muerte, donde salen a relucir los verdaderos afectos y sentimientos de las personas. La película, en este sentido, es esperanzadora con una cuota de inocencia que conmueve. Muestra una microutopía de ser hermanos ante el dolor y ver en esa posibilidad, una salida a la paz, paz, paz. O como lo expresó Cuarón: Shantih, Shantih, Shantih…
PS.
Algunas anotaciones finales:
1.             La economía de los diálogos y los gestos sin palabras son un gran acierto.
2.             El sonido me pareció irregular. Era de normal a muy fuerte.
3.             No tiene banda sonora, salvo lo diegético que se escucha en la radio.
4.             Podría ser tranquilamente un tributo al neorrealismo italiano.

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La balada de Buster Scruggs y otros cuentos de la condición humana.

Por Héctor Makishi Matsuda.
Y es que el humor negro, muy característico en ellos, es el humor inteligente por excelencia.




Debo confesar que los Hermanos Coen son de mis cineastas favoritos. Me parecen de lo mejor del cine actual y eterno. En ellos, se ve una propuesta estética macerada en el tiempo y que el oficio ya lo tienen bien conseguido. Son, claramente, íconos del cine independiente, aunque ellos mismos minimicen este adjetivo. Pero son independientes porque no les importa quedar bien con productoras, críticos y público en general, sino que ellos dan rienda suelta a su pasión que es el cine y no están sujetos a los discursos políticamente correctos. Al respecto, Joel ha dicho: «No puedes sentarte y decir: “Voy a escribir algo que sigue los dictámenes de lo que la cultura piensa que debe suceder, en términos de diversidad cultural en la narración”. Siendo honesto contigo, eso es totalmente descabellado». Pero tampoco en su arte, están buscando la originalidad y la película non plus ultra. Ellos hacen lo que aman y eso es suficiente. Ethan ha dicho: «Generalmente no nos preocupa repetirnos. Ser original y hacer siempre lo nuevo está increíblemente sobrevalorado».
Y es verdad, en cuanto a la sobrevaloración de ser original. Ya lo decía Salomón, hace como 3 mil años atrás: «No hay nada nuevo bajo el sol». Pretender que tu arte no tenga rastros de algo anterior, es pretensión fracasada de iconoclastas como los Dadá que su propuesta es más una crítica social que arte. Pero en fin, la originalidad en el arte no tiene que estar vinculado con la novedad pura, sino con la interpretación que haces con la tradición que te antecede. Un claro ejemplo es esta última película de los Coen, La balada de Buster Scruggs que lo presentan por Netflix.
La película podría estar emparentado con el género western y lo está, pero hacen una deconstrucción del género que la propuesta va más allá de los tópicos del western. Hay una suerte de sincretismo muy particular que atraviesa temas escatológicos, filosóficos, éticos y antropológicos. A los Coen, ya se los conoce por su profunda reflexión en sus películas, así sean comedias. Y es que el humor negro, muy característico en ellos, es el humor inteligente por excelencia.
Todos estos temas y reflexiones están repartidos en pequeños cortos, seis en total, que conforman toda la película. En todos, la muerte está presente como horizonte último de comprensión. Es decir, que las muertes en todos los cuentos hacen brillar aspectos trascendentes de la vida del hombre.
Veamos cada corto en particular:
1.     The Ballad of Buster Scruggs. La más absurda en apariencia. Un cowboy fuera de la ley que se enfrenta a distintas situaciones que lo obligan a matar a sus contrincantes. Él es rápido y audaz, pero en la vida, siempre encontraremos alguien mejor que nosotros. ¿Qué problema hay? La vida no es perfecta, pero lo que tengas que hacer, hazlo con perfección.
2.     Near Algodones. James Franco encarna a un ladrón de bancos que se le ocurre asaltar uno, en un solitario pueblo del Viejo Oeste. Su plan fracasa y es condenado a la horca. En el instante último de su vida, contempla en el público asistente a la ejecución a una chica hermosa con la que cruza miradas. Y como si contemplar la belleza en el peor momento de tu vida te redimiera, al Ladrón se le ve con un rostro de paz y alegría que nadie podría imaginar que está a punto de morir.
3.     Meal ticket. En este corto está Liam Nesson como un viejo representante de un show itinerante que tiene como su único artista a un chico sin piernas ni brazos que recita como si fuera un discurso, párrafos de escritores y artistas como Percy Bysshee Shelley, William Shakespeare y Abraham Lincoln. Lo curioso es que el discurso de alto contenido moralizante y el actuar del representante bastante inescrupuloso es muy contrastante. En este cuento la crueldad y la muerte son socias.
4.     All Gold Canyon. La aparición de Tom Waits ya justifica el corto y da vida a un buscador de oro que encuentra un valle inmaculado. La relación del buscador con la naturaleza tiene una connotación de respeto y agradecimiento. No se ve violencia en su estadía en ese paraíso perdido hasta que llega el que busca ganarse el dinero a costa del esfuerzo del otro. El desenlace de esta historia es reivindicante e inesperada.
5.     The gal who got rattled. «Gal» significa «muchacha». Así que el título sería algo así como «La muchacha que fue traicionada». Los títulos en todos los cuentos son muy elementales pero con pequeñas sutilezas. Esta no es la excepción. Se trata de una muchacha y su hermano que viajan al Oeste prometedor en busca de mejoras de vida. Para esto, se unen a las legendarias caravanas de carretas que movilizaron de Este a Oeste, toda Norteamérica. Siguiendo con el título, ¿cuál es la sutileza? Y probablemente, sea preguntarse ¿por quién fue traicionada? Por su hermano, el jefe de la Caravana, su perro President Pierce, sus miedos, sus caprichos o el destino. Esto no se sabrá hasta el final.
6.     The mortal remains. En una diligencia típica del Viejo Oeste, cinco tripulantes viajan hacia Morgan Fort (Colorado). Es el corto perfecto para cerrar la película. Es un viaje extraño que casi no tiene exteriores, con reglas extrañas como «El cochero no se detiene». Pero tampoco tiene rostro ni voz. Es una suerte de Caronte Cowboy que a velocidad, los lleva a una casona que no se sabe bien qué es. La riqueza de este corto está en las reflexiones que cada uno hace sobre la vida y el amor. Algunas son cínicas; otras, más puritanas; otras, más elementales. Sin embargo estas opiniones se van desplomando a medida que el cochero se va acercando al lugar del destino, incierto y solitario como la muerte. Los discursos se caen porque ante la muerte, hay muy pocas cosas que, realmente, valen un esfuerzo, una constancia, una virtud.
El último de los pasajeros (el cínico francés) mira cómo el cochero va desapareciendo entre la niebla de una noche fría. Está parado en el pórtico de entrada del hotel vacío, vuelve la mirada hacia dentro y se coloca el sombrero como dándose valor y dignidad. Entonces, las puertas se cierran. Se cierran.
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Patrick Modiano. Sobre cuando queremos de verdad a una persona.


"Cuando de verdad queremos a una persona, hay que aceptar la parte de misterio que hay en ella... Porque por eso es por lo que la queremos."

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Francis Scott Fitzgerald. Sobre las nuevas generaciones.


"Una generación nueva, que se dedica más que la última a temer a la pobreza y a adorar el éxito; crece para encontrar muertos a todos los dioses, tiene hechas todas las guerras y debilitadas todas las creencias del hombre."


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Federico Fellini. Sobre el lenguaje del cine.


"Hablar de sueños es como hablar de películas, ya que el cine utiliza el lenguaje de los sueños: años pueden pasar en segundos y se puede saltar en un lugar a otro."


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