"El arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad."
Mostrando las entradas con la etiqueta Arte. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta Arte. Mostrar todas las entradas
Hunter S. Thompson. Sobre la política
"La política es el arte de controlar tu entorno."
¡Descubre nuevos libros en nuestro canal de YouTube! 📚🎥
Si amas la literatura tanto como nosotros, te invitamos a Pensamientos Literarios, nuestro canal de YouTube donde recomendamos libros (sin spoilers) y exploramos juntos historias que inspiran y emocionan.
🌟 ¿Qué encontrarás?
- Recomendaciones para descubrir tu próxima gran lectura.
- Resúmenes dinámicos que te ayudarán a recordar detalles.
- Un espacio para conectar con otros amantes de los libros.
📌 Haz clic aquí y acompañanos: Pensamientos Literarios en YouTube
¡Espera verte allí para seguir descubriendo mundos literarios juntos! 📖✨
#421 | Arte. | #respuesta - Kris Kon.
¿Qué es el arte?
#respuesta - Kris Kon.
El arte no puede ser nada, puede ser algo, puede ser cualquier cosa.
El arte no es más que lo que hacés para que se convierta en aquello que termina siendo la obra. En tu imaginación, en tu corazón, en tu alma.
Para mí, que soy mago y narrador de historias, el arte debe llegar a la audiencia.
Si no llega a nadie, no tiene sentido.
Mi arte tiene que ser auténtico. Lleno de palabras, lleno de silencios. Lleno de ambos.
Quizás suene irónico, ya que soy un mago, pero para brindarle a mi audiencia un momento mágico, yo debo creer en mí mismo.
Eso es lo auténtico. Mis sueños, convertidos en realidad. En mi imaginación, en mi corazón, en mi alma.
El arte no es más que lo que hacés para que se convierta en aquello que termina siendo la obra. En tu imaginación, en tu corazón, en tu alma.
Para mí, que soy mago y narrador de historias, el arte debe llegar a la audiencia.
Si no llega a nadie, no tiene sentido.
Mi arte tiene que ser auténtico. Lleno de palabras, lleno de silencios. Lleno de ambos.
Quizás suene irónico, ya que soy un mago, pero para brindarle a mi audiencia un momento mágico, yo debo creer en mí mismo.
Eso es lo auténtico. Mis sueños, convertidos en realidad. En mi imaginación, en mi corazón, en mi alma.
Mini bio - Kris Kon: Kris Kon es un mago noruego, narrador de historias, orador y orientador. Durante diez años, ha realizado shows en su país y en otros países de Europa.
Su estilo de magia está ligado a la narración de historias e ideas sobre la vida. El mago argentino Jorge García, quién nos dejó el año pasado, fue su gran amigo y mentor.
Su estilo de magia está ligado a la narración de historias e ideas sobre la vida. El mago argentino Jorge García, quién nos dejó el año pasado, fue su gran amigo y mentor.
Directora y editora de la sección.
Lorena Mangieri. Es poeta y escritora. Varios de sus textos y pensamientos están volcados en su blog Juntando Hormigas. Participa activamente en cursos de escritura creativa y talleres de lectura. Ha participado con sus textos en varios eventos artísticos en la Ciudad de Buenos Aires. En el año 2004 se recibió de profesora de Filosofía. Es correctora internacional de textos en Lengua Española y en la actualidad trabaja en varios proyectos editoriales. loremangi@gmail.com
Paul Cézanne. Los grandes bañistas.
 |
| Paul Cézanne. Los grandes bañistas. 1900-1905. National Gallery, Londres, Reino Unido. |
IMPRESIONISMO | #ARTEMODERNO
Las grandes bañistas es un cuadro del pintor francés Paul Cézanne. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 130 cm por 195 cm , y desde su adquisición en 1964 gracias a una ayuda especial de la Max Rayne Foundation, se encuentra en la National Gallery, Londres, Reino Unido. Allí se exhibe con el nombre de Bathers (Les Grandes Baigneuses).
Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea: Bañistas (1874-1875, Nueva York), Tres bañistas (1879-1882, París), Cinco bañistas (1885-1887, Basilea), Gran bañista (1885-1887, París).1
Las versiones posteriores del mismo tema son de mayor tamaño y en ellos exalta la forma geométrica y el color: estas Grandes bañistas de la National Gallery, Los bañistas de la Barnes Foundation (Merion, Pennsylvania), y Las grandes bañistas de Filadelfia.1
El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas.2 Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje.3 Las bañistas se integran en la naturaleza que las rodea.2
Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.
Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea: Bañistas (1874-1875, Nueva York), Tres bañistas (1879-1882, París), Cinco bañistas (1885-1887, Basilea), Gran bañista (1885-1887, París).1
Las versiones posteriores del mismo tema son de mayor tamaño y en ellos exalta la forma geométrica y el color: estas Grandes bañistas de la National Gallery, Los bañistas de la Barnes Foundation (Merion, Pennsylvania), y Las grandes bañistas de Filadelfia.1
El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas.2 Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje.3 Las bañistas se integran en la naturaleza que las rodea.2
Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.
Camille Pissarro. El bosque de Marly.
 |
| Camille Pissarro. El bosque de Marly. 1871. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. IMPRESIONISMO | #ARTEMODERNO
En junio de 1871 Pissarro y Monet regresaron a Francia desde Inglaterra, su lugar de refugio durante la guerra franco-prusiana. Instalado de nuevo en Louveciennes, pintoresca localidad a orillas del Sena, no muy lejos de Port-Marly, donde en 1869 había alquilado parte de una casa del siglo XVIII, Pissarro continuó pintando los efectos de luz en los caminos y bosques de los alrededores. Para este gran maestro del paisajismo, el alejamiento forzoso de sus motivos pictóricos había sido muy traumático, acrecentado por el hecho de que, en su ausencia, su casa había sido saqueada por las tropas alemanas y muchos de sus cuadros destruidos. A su regreso volvió a pintar muchos de los escenarios rurales de años anteriores, como le habían enseñado los pintores de Barbizon. Pissarro, que muy pronto se convertiría en un gran impulsor de las exposiciones impresionistas y participaría en todas ellas, se mantendría fiel al nuevo lenguaje prácticamente durante toda su vida.
Este temprano Bosque de Marly, fechado en 1871, nos muestra un camino del bosque del Château de Marly visto desde Porte du Phare, con Marly-le-Roi al fondo, en el que aparecen varias pequeñas figuras. Está pintado a base de pequeños toques de pincel con los que consigue captar las vibraciones de la luz entre las hojas de los árboles del mismo bosque que pintaría Corot un año más tarde. Paloma Alarcó. |
Henri Rousseau. Yo mismo, retrato-paisaje.
 |
| Henri Rousseau. Yo mismo, retrato-paisaje. 1890. Národi Galerie, Praga. |
IMPRESIONISMO | #ARTEMODERNO
Rousseau afirmó, asimismo, haber inventado un nuevo género pictórico al que denominó retrato-paisaje, que consistía en comenzar el cuadro con una vista general de, por ejemplo, uno de sus lugares favoritos en París, añadiendo luego una persona en primer plano. Así ocurre, por ejemplo, en su autorretrato titulado Moi-même (Yo mismo, 1890).
En sus retratos, sean o no retratos-paisajes, los personajes están rígidos, en pose, casi inexpresivos, frecuentemente con los ojos muy abiertos y "mirando" frontalmente al espectador. Si los personajes son varios, están yuxtapuestos: uno al lado del otro. El paisaje de fondo, cuando lo hay, parece estar en el mismo plano por la falta de perspectiva.En el cuadro se puede ver a un Rousseau muy bien vestido, con la barba muy cuidada y rodeado de símbolos de modernidad: un puente de metal, un globo, un barco con las banderas naúticas de señales en el Sena y la recién inaugurada Torre Eiffel.
En sus retratos, sean o no retratos-paisajes, los personajes están rígidos, en pose, casi inexpresivos, frecuentemente con los ojos muy abiertos y "mirando" frontalmente al espectador. Si los personajes son varios, están yuxtapuestos: uno al lado del otro. El paisaje de fondo, cuando lo hay, parece estar en el mismo plano por la falta de perspectiva.En el cuadro se puede ver a un Rousseau muy bien vestido, con la barba muy cuidada y rodeado de símbolos de modernidad: un puente de metal, un globo, un barco con las banderas naúticas de señales en el Sena y la recién inaugurada Torre Eiffel.
Paul Gauguin. La visión tras el sermón.
 |
| Paul Gauguin. La visión tras el sermón. 1888. National Gallery of Scotland, Edimburgo. |
IMPRESIONISMO | #ARTEMODERNO
La visión tras el sermón, también llamado La lucha de Jacob con el ángel es un cuadro del pintor francés Paul Gauguin. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 73 cm de alto y 92 cm de ancho. Fue pintado en 1888. Se encuentra en la National Gallery of Scotland, Edimburgo, Reino Unido.
Considerada como una de las primeras obras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar el artista desde ese momento. Fue pintado para una iglesia de la zona pero el párroco la rechazó.
Esta obra la pintó el autor durante una segunda estancia en Pont-Aven (Bretaña), obra en la que pretende representar, según él mismo señala la «simplicidad rústica y supersticiosa». Es una obra característica de la escuela de Pont-Aven.
Respecto a la descripción formal de la obra, en primer plano vemos una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, orando, mientras al fondo vemos la supuesta visión que tienen las devotas tras el sermón, donde aparece Jacob luchando con el ángel. Paul Gauguin rehúsa manejar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras planas. Los colores también han experimentado un cambio importante, son colores puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la planitud. El contorno de las figuras empieza a estar muy delimitado, siguiendo un estilo típico de estos momentos llamado Cloisonnisme, inspirado en la realización de esmaltes y de vidrieras, rellenando esos contornos con colores muy vivos. La visión tras el sermón contiene los elementos esenciales de la poética de Gauguin. El artista quería dar una forma al sentimiento de la gente, que creía ver la lucha de Jacob con el ángel a la salida de la iglesia. Un grupo de campesinas «ve» la escena de la lucha, que Paul Gauguin traza de un dibujo del gran maestro japonés Hokusai, adaptando a un luchador de sumo a la iconografía occidental del ángel. La influencia de la estampa japonesa se evidencia asimismo en la rama del manzano. Este árbol, situado en diagonal separa simbólicamente la esfera de la realidad de aquella de la imaginación.
Paul Gauguin está orgulloso de esta pintura y sobre todo de las figuras, ''muy rústicas y supersticiosas'', como él mismo escribe a Vincent van Gogh.
Considerada como una de las primeras obras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar el artista desde ese momento. Fue pintado para una iglesia de la zona pero el párroco la rechazó.
Esta obra la pintó el autor durante una segunda estancia en Pont-Aven (Bretaña), obra en la que pretende representar, según él mismo señala la «simplicidad rústica y supersticiosa». Es una obra característica de la escuela de Pont-Aven.
Respecto a la descripción formal de la obra, en primer plano vemos una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, orando, mientras al fondo vemos la supuesta visión que tienen las devotas tras el sermón, donde aparece Jacob luchando con el ángel. Paul Gauguin rehúsa manejar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras planas. Los colores también han experimentado un cambio importante, son colores puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la planitud. El contorno de las figuras empieza a estar muy delimitado, siguiendo un estilo típico de estos momentos llamado Cloisonnisme, inspirado en la realización de esmaltes y de vidrieras, rellenando esos contornos con colores muy vivos. La visión tras el sermón contiene los elementos esenciales de la poética de Gauguin. El artista quería dar una forma al sentimiento de la gente, que creía ver la lucha de Jacob con el ángel a la salida de la iglesia. Un grupo de campesinas «ve» la escena de la lucha, que Paul Gauguin traza de un dibujo del gran maestro japonés Hokusai, adaptando a un luchador de sumo a la iconografía occidental del ángel. La influencia de la estampa japonesa se evidencia asimismo en la rama del manzano. Este árbol, situado en diagonal separa simbólicamente la esfera de la realidad de aquella de la imaginación.
Paul Gauguin está orgulloso de esta pintura y sobre todo de las figuras, ''muy rústicas y supersticiosas'', como él mismo escribe a Vincent van Gogh.
Vincent van Gogh. Retrato de Père Tanguy.
 |
| Vincent van Gogh. Retrato de Père Tanguy. 1887-1888. Musée Rodin, París. |
IMPRESIONISMO | #ARTEMODERNO
Tras dejar atrás su Brabante natal y dejar de lado su primera vocación religiosa, Van Gogh se une a su hermano Théo en París, en marzo de 1886. Aquí es dónde conoce a uno de los personajes más interesantes del círculo artístico parisino de los años 1880-1890, el que sus amigos pintores llaman con afecto "el padre Tanguy". Julien-François Tanguy (1825-1894) tiene una pequeña tienda de pinturas, calle Clauzel, y acepta con frecuencia cuadros a cambio de sus mercancías.
Van Gogh realiza tres retratos del Padre Tanguy por el que tiene una efusiva amistad. En éste cuadro, del que el marchante nunca querrá desprenderse, los colores puros, el uso del contraste de los complementarios, las pinceladas visibles y orientadas, el espacio llano, son cuantos elementos de un lenguaje neo-impresionista que el pintor utiliza libremente. Elige representar al hombre mayor en una posición estrictamente frontal, inmóvil, las manos cruzadas encima del estómago, los ojos perdidos en un sueño, y logra comunicar toda la bondad y la modestia del personaje. Van Gogh rinde homenaje al ”triturador de colores” que convierte en una especie de viejo sabio japonés, colocándolo sobre un fondo completamente saturado de unas innumerables estampas japonesas de colores intensos que el pintor colecciona, junto con su hermano Théo.
Van Gogh realiza tres retratos del Padre Tanguy por el que tiene una efusiva amistad. En éste cuadro, del que el marchante nunca querrá desprenderse, los colores puros, el uso del contraste de los complementarios, las pinceladas visibles y orientadas, el espacio llano, son cuantos elementos de un lenguaje neo-impresionista que el pintor utiliza libremente. Elige representar al hombre mayor en una posición estrictamente frontal, inmóvil, las manos cruzadas encima del estómago, los ojos perdidos en un sueño, y logra comunicar toda la bondad y la modestia del personaje. Van Gogh rinde homenaje al ”triturador de colores” que convierte en una especie de viejo sabio japonés, colocándolo sobre un fondo completamente saturado de unas innumerables estampas japonesas de colores intensos que el pintor colecciona, junto con su hermano Théo.
Paul Cézanne. El gran bañista.
 |
| Paul Cézanne. El gran bañista. 1885-1887. Museum of Modern Art, Nueva York. |
IMPRESIONISMO | #ARTEMODERNO
Fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,1 que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.
"En el caso de su modelo masculino, renuncia por completo a toda expresión individual y a toda insinuación de erotismo. Lo único que le interesa es la representación formal de la figura y su integración cromática en el entorno natural, por cuanto los individuos desnudos encarnan una especie de prototipo de las ideas de Cézanne relativas a la naturalidad y el ideal de la existencia." (U.B-M.).
"En el caso de su modelo masculino, renuncia por completo a toda expresión individual y a toda insinuación de erotismo. Lo único que le interesa es la representación formal de la figura y su integración cromática en el entorno natural, por cuanto los individuos desnudos encarnan una especie de prototipo de las ideas de Cézanne relativas a la naturalidad y el ideal de la existencia." (U.B-M.).
Georges Pierre Seurat. Baño en Asnières.
 |
| Georges Pierre Seurat. Baño en Asnières. 1883. The National Gallery, Londres. |
IMPRESIONISMO | #ARTEMODERNO
"La obra muestra a personas a orillas del río frente a la isla Grande Jatte. Al fondo pueden verse los edificios de una fábrica y un puente. Un barco lleva a pasajeros a la isla. A pesar de que Seurat concede la mayor importancia a los criterios impresionistas de luz y color, produce un ejemplo completamente distinto. El objetivo de Seurat no era la impresión fugitiva, sino la configuración de muchos momentos. La adición dio su impronta al motivo. No lo efímero sino lo duradero era lo que quería plasmar en el lienzo. Por esto se ha hablado del estilo sintético de Seurat. Su retorno a los modos de trabajo tradicionales y académicos se vio acompañado por el modo científico de usar los colores. En los años siguientes, Seurat desarrolló la teoría cromática del puntillismo sobre la base de la física, la óptica y la geometría, que durante algún tiempo también siguió Camille Pissarro." (K.G.)
Horacio Quiroga. Sobre un consejo para los escritores.
"No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir y evócala luego. Si eres capaz entonces de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino."
Suscribirse a:
Entradas
(
Atom
)