"El único error de Dios fue no haber dotado al hombre de dos vidas: una para ensayar y otra para actuar."
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Charles Chaplin. Sobre tener fe en uno mismo.
"Hay que tener fe en uno mismo. Ahí reside el secreto. Aún cuando estaba en el orfanato y recorría las calles buscando qué comer para vivir, incluso entonces, me consideraba el actor más grande del mundo. Sin la absoluta confianza en sí mismo, uno está destinado al fracaso."
Todos los caminos hablan de Roma.
Por Héctor Makishi Matsuda.
Mi blog: Cine consentido
“Y es que tanto el amor, el dolor y la muerte siempre nos igualan como seres humanos..”
Todos los caminos hablan de Roma, la última película de Alfonso
Cuarón. Muchos la consideran una obra maestra, otros la consideran
sobrevalorada. Pero lo cierto es que tenemos al alcance de todos, una película
bien cuidada y hecha con el esmero de un amante.
Lo que impresiona en primer lugar, desde
el punto de vista formal, es su fotografía. Un mérito del mismo Cuarón con Galo
Olivares. Podemos tomar cualquier fotograma de los 135 minutos de la película,
y tenemos una foto para enmarcar. La elección de Cuarón por el formato blanco y
negro, en mi opinión, no es porque la película sea ambientada en los años 70,
sino porque hay una intención de nivelar la condición humana fundamental, sin distinción
de clases sociales.
Y es que tanto el amor, el dolor y la
muerte siempre nos igualan como seres humanos. En esas experiencias, la
pertenencia a una clase social es relativa y de poca valía. Roma es una prueba de ello.
La película nos cuenta sobre la vida de
una familia de clase media (numerosa como otrora) y sus dos empleadas
domésticas que cumplen también el rol de nanas de los chicos. La historia es casi intemporal salvo algunas
pinceladas del contexto sociopolítico de la época que no hace relevante a la
historia, salvo para advertirnos como dice Baudrillard en su Transparencia del mal que «Lo máximo que
se presiente (en esas imágenes) es que detrás de cada una de ellas ha desaparecido
algo. Y sólo son eso: la
huella de algo
que ha desaparecido». Valores desaparecidos que nos sirven para ubicarnos dónde estamos parados.
Si hay que volver o hay que resignificar nuestra historia.
Resignificar puede ser un verbo clave para poder
entender toda la película. Constantemente, vemos que los personajes colocando
nuevos sentidos a las cosas: El juego de estar muerto, la vida nueva sin el
padre, el avión, etc. Por un lado, nos hace pensar que tal vez, la vida se
componga de pequeños instantes que luego uno busca ponerle el sentido. O a lo
mejor, ya que mencionamos el avión, el sentido esté en el cielo como ese avión que
surca sin rumbo aparente para nuestras vistas, pero que evidentemente tiene un
destino final.
Por otro lado, Roma es un viaje interior que nos muestra que las cosas, las
vivencias y los hechos mismos tienen un peso específico a partir de nuestras
intenciones. El objetivo de mi acto hace único y exclusivo ese momento. De ahí
que en un mismo momento, pueden convivir distintas intenciones que hacen
diferente dicho momento. Y no me refiero a El
secreto de Rhonda Byrne y su ley de Atracción. Esto es un planteamiento
ético de la vida. Muchas veces, la impunidad externa de nuestros actos no es
solución para la paz interna que la vida nos exige sino que la procesión va por dentro como dice el
Candombe.
Y aquí es donde el dolor empieza a
mostrarse como una experiencia de unión y solidaridad. Tanto el ama de casa
como su empleada doméstica van elaborando su duelo internamente, con la mejor
dignidad posible. Y solo es en el momento de peligro de muerte, donde salen a
relucir los verdaderos afectos y sentimientos de las personas. La película, en
este sentido, es esperanzadora con una cuota de inocencia que conmueve. Muestra
una microutopía de ser hermanos ante el dolor y ver en esa posibilidad, una
salida a la paz, paz, paz. O como lo expresó Cuarón: Shantih, Shantih, Shantih…
PS.
Algunas anotaciones finales:
1.
La
economía de los diálogos y los gestos sin palabras son un gran acierto.
2.
El
sonido me pareció irregular. Era de normal a muy fuerte.
3.
No
tiene banda sonora, salvo lo diegético que se escucha en la radio.
4.
Podría
ser tranquilamente un tributo al neorrealismo italiano.
Mi blog: Cine consentido
cineconsentido983195056.wordpress.com
La balada de Buster Scruggs y otros cuentos de la condición humana.
Por Héctor Makishi Matsuda.
“Y es que el humor negro, muy característico en ellos, es el humor inteligente por excelencia.”
Debo confesar que los Hermanos Coen son
de mis cineastas favoritos. Me parecen de lo mejor del cine actual y eterno. En
ellos, se ve una propuesta estética macerada en el tiempo y que el oficio ya lo
tienen bien conseguido. Son, claramente, íconos del cine independiente, aunque ellos mismos minimicen este adjetivo. Pero
son independientes porque no les
importa quedar bien con productoras, críticos y público en general, sino que
ellos dan rienda suelta a su pasión que es el cine y no están sujetos a los
discursos políticamente correctos. Al respecto, Joel ha dicho: «No puedes
sentarte y decir: “Voy a escribir algo
que sigue los dictámenes de lo que la cultura piensa que debe suceder, en términos
de diversidad cultural en la narración”. Siendo honesto contigo, eso es
totalmente descabellado». Pero
tampoco en su arte, están buscando la originalidad y la película non plus ultra. Ellos hacen lo que aman
y eso es suficiente. Ethan ha dicho: «Generalmente no nos preocupa repetirnos. Ser original y hacer siempre lo nuevo
está increíblemente sobrevalorado».
Y es verdad, en cuanto a la
sobrevaloración de ser original. Ya lo decía Salomón, hace como 3 mil años
atrás: «No hay nada nuevo bajo el sol». Pretender que tu arte no tenga rastros
de algo anterior, es pretensión fracasada de iconoclastas como los Dadá que su
propuesta es más una crítica social que arte. Pero en fin, la originalidad en
el arte no tiene que estar vinculado con la novedad pura, sino con la
interpretación que haces con la tradición que te antecede. Un claro ejemplo es
esta última película de los Coen, La
balada de Buster Scruggs que lo presentan por Netflix.
La película podría estar emparentado
con el género western y lo está, pero
hacen una deconstrucción del género que la propuesta va más allá de los tópicos
del western. Hay una suerte de
sincretismo muy particular que atraviesa temas escatológicos, filosóficos,
éticos y antropológicos. A los Coen, ya se los conoce por su profunda reflexión
en sus películas, así sean comedias. Y es que el humor negro, muy
característico en ellos, es el humor inteligente por excelencia.
Todos estos temas y reflexiones están
repartidos en pequeños cortos, seis en total, que conforman toda la película. En
todos, la muerte está presente como horizonte último de comprensión. Es decir,
que las muertes en todos los cuentos hacen brillar aspectos trascendentes de la
vida del hombre.
Veamos cada corto en particular:
1.
The Ballad of Buster Scruggs. La más absurda en apariencia. Un cowboy fuera de la ley que se enfrenta a
distintas situaciones que lo obligan a matar a sus contrincantes. Él es rápido
y audaz, pero en la vida, siempre encontraremos alguien mejor que nosotros.
¿Qué problema hay? La vida no es perfecta, pero lo que tengas que hacer, hazlo
con perfección.
2.
Near Algodones. James Franco encarna a un ladrón de
bancos que se le ocurre asaltar uno, en un solitario pueblo del Viejo Oeste. Su
plan fracasa y es condenado a la horca. En el instante último de su vida,
contempla en el público asistente a la ejecución a una chica hermosa con la que
cruza miradas. Y como si contemplar la belleza en el peor momento de tu vida te
redimiera, al Ladrón se le ve con un rostro de paz y alegría que nadie podría
imaginar que está a punto de morir.
3.
Meal ticket. En este corto está Liam Nesson como
un viejo representante de un show itinerante que tiene como su único artista a
un chico sin piernas ni brazos que recita como si fuera un discurso, párrafos
de escritores y artistas como Percy Bysshee Shelley, William Shakespeare y
Abraham Lincoln. Lo curioso es que el discurso de alto contenido moralizante y
el actuar del representante bastante inescrupuloso es muy contrastante. En este
cuento la crueldad y la muerte son socias.
4.
All Gold Canyon. La aparición de Tom Waits ya
justifica el corto y da vida a un buscador de oro que encuentra un valle
inmaculado. La relación del buscador con la naturaleza tiene una connotación de
respeto y agradecimiento. No se ve violencia en su estadía en ese paraíso
perdido hasta que llega el que busca ganarse el dinero a costa del esfuerzo del
otro. El desenlace de esta historia es reivindicante e inesperada.
5.
The gal who got rattled. «Gal» significa «muchacha». Así que
el título sería algo así como «La muchacha que fue traicionada». Los títulos en
todos los cuentos son muy elementales pero con pequeñas sutilezas. Esta no es
la excepción. Se trata de una muchacha y su hermano que viajan al Oeste
prometedor en busca de mejoras de vida. Para esto, se unen a las legendarias
caravanas de carretas que movilizaron de Este a Oeste, toda Norteamérica. Siguiendo
con el título, ¿cuál es la sutileza? Y probablemente, sea preguntarse ¿por
quién fue traicionada? Por su hermano, el jefe de la Caravana, su perro President Pierce, sus miedos, sus
caprichos o el destino. Esto no se sabrá hasta el final.
6. The
mortal remains. En
una diligencia típica del Viejo Oeste, cinco tripulantes viajan hacia Morgan
Fort (Colorado). Es el corto perfecto para cerrar la película. Es un viaje
extraño que casi no tiene exteriores, con reglas extrañas como «El cochero no
se detiene». Pero tampoco tiene rostro ni voz. Es una suerte de Caronte Cowboy que a velocidad, los lleva a una
casona que no se sabe bien qué es. La riqueza de este corto está en las
reflexiones que cada uno hace sobre la vida y el amor. Algunas son cínicas;
otras, más puritanas; otras, más elementales. Sin embargo estas opiniones se
van desplomando a medida que el cochero se va acercando al lugar del destino,
incierto y solitario como la muerte. Los discursos se caen porque ante la
muerte, hay muy pocas cosas que, realmente, valen un esfuerzo, una constancia,
una virtud.
El último de los pasajeros (el cínico
francés) mira cómo el cochero va desapareciendo entre la niebla de una noche
fría. Está parado en el pórtico de entrada del hotel vacío, vuelve la mirada
hacia dentro y se coloca el sombrero como dándose valor y dignidad. Entonces,
las puertas se cierran. Se cierran.
Mi blog: Cine consentido
cineconsentido983195056.wordpress.com
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